读后感：禅与摩托车维修艺术。
人一生要过得有意义，就需要不断地阅读优秀的作品。阅读是人数精神生活不可分割的一部分。当一个人观看了一本书籍之后都会有所感悟，写一篇读后感，可以更好地从书中领悟出作者想表达的理念。作品中哪些情节让您印象最为深刻呢？请阅读由小编为你编辑的读后感：禅与摩托车维修艺术，请阅读，或许对你有所帮助！
和许多人一样，我也是被这本书看似另类的标题吸引，一个与字连接着遥远的两端，使人心生好奇。这本书以游记的面貌展开，讲述了作者与儿子骑摩托车横跨美国大陆的经历，然而在看似凌乱的描述中，其实探讨的是作者反复思考并构建的一套哲学：何为良质？
摩托车前进了，摩托车出现问题了，摩托车需要维修了。作者从眼前这台摩托车，或者被看作什么精巧的机器吧，开始探讨认识事物的一般方法。从直观上，摩托车可以看作动力产生系统、动力传动系统等各部分组成的，称为组件。一一剖析各种大小零碎的组件，探究他们的作用原理....之后会发现组件彼此牵动，造就了摩托车的功能，也赋予了它含义，而不是一堆铁皮。
在此之上的解读，摩托车不仅包括组成它的系统，还包括背后架构它的理性。从摩托车出发的例子说明了一个问题：基于不含主观判断的客观事实，经过合理的划分，以及一条逻辑的道路，包括归纳法和演绎法，能够架构出一整套框架，我们称之为理性。
纵观西方哲学史可以发现，以希腊文明为代表的古代哲学即开始探讨如何认识世界、什么是正义等一系列问题，经历了千百年的发展，理性在各种学派的发展和竞争中渐渐掌握了话语权，认为世界由一些基本形式组成，依赖于理性和法则，从混乱中找出秩序。至康德时形成了一种对理性的完全推崇。随后虽然也有对理性的反思与削弱，但总体上理性主义在西方哲学体系中仍然占据着十分重要的位置。
与理性，或者称为经典的认知和思考方法相对的，即感性或浪漫的认知。浪漫是从表象来观察，浪漫认知的人有丰富的灵感、想象力、创造力和直觉，最主要的是情感而非事实。书中出现的约翰和斯维亚可以说代表了这种浪漫的认知。然而在修理摩托车时，浪漫更像是嘲讽。作者看起来坚定的站在理性的一边。
科学是基于理性的，基于假设的验证和推翻。但如果假设出现的速度超过了验证的速度，科学的方向又在哪里？在《自然辩证法概论》的课堂上，老师曾经提到，科学的发展道路中是包含有非理性部分的，比如灵感。这是书中的第一点困惑。
作者在精神崩溃前，曾有一段教授修辞学的经历。修辞学有规则吗？有。修辞学可以仅靠规则来判定高下吗？恐怕不能。电影《死亡诗社》里有种极端的评价体系，把诗歌的艺术性和主题的重要性作为坐标轴，矩形面积的大小便是诗歌品质的标度。同样如果仅依靠规则阐释修辞学，滑稽感不言而喻。然而当两篇文章呈现在面前，人们又总能分辨出高下。似乎理性的力量在这里到达了边界。究竟什么是好的，什么是良质（quality）呢？这是作者的第二点困惑。
良质难以定义，而它又确乎存在。将它划分为理性或者浪漫，抑或一分为二，都被证明是不可行的。作者经历了艰难的思考和人生的曲折之后，终于探索到了自己的回答：良质不会单独与主观或者客观发生关系，而只是在这两者产生关系的时候才会出现。良质并不是一种物体，它是一种事件。它是主观意识到客观的存在时所发生的事件。
这样解读似乎还是过于抽象。
我的理解是，良质相当于一种价值判断，当人与外界产生互动，认识世界就必然产生价值判断，即什么是好的。然而这未必有严密的理性，可能是一种本能或直觉。如果愿意，也有可能在通向良质的方向上搭建一条理性的道路。书中有一句话：没有山顶，就没有山的周围，是山顶界定了周围。我想，良质就是山顶，因此才界定出了理性或浪漫的路径。
有了这个结论，就可或多或少地回答前面的两个困惑。科学的发展中假设的出现和验证并不是随机的，而是有良质作为指引，所以科学仍有前进的可能。而无法用规则和理性解释，却仍能分辨高下的事物，恰是由于良质的存在。
对这本书的哲学思考，或许只能理解到这里了。然而这本书还有许多其他打动我的细节。在书的前半部分，考虑摩托车修理问题时作者即提出了一种一般的问题解决思路：
1）问题是什么。
2）假设问题的原因
3）证实每个问题的假设
4）预测实验的结果
5）观察实验的结果
6）由实验得出结论。
这与科学研究的过程简直完全吻合。理性尽头的困惑在作者脑海中盘踞许久，而良质这个概念迅速架构了一个全新的体系。作者把这一过程比喻为晶种投入过饱和溶液中后迅速结晶的过程。精妙！另外，在阐释良质时，作者结合了《道德经》的描述：道可道，非常道；名可名，非常名。无名天地之始，有名万物之母。从某种角度来看，与这本书的思想不谋而合，仿佛是东方哲学与西方哲学的碰撞与交融。
探究作者生平，罗伯特?波西格本科学习的专业是化学和哲学，又在赴韩国从军时期接触了东方哲学...想来在此书诞生四十年之后读到它，于我也是种奇妙的缘分。
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摩托车修理店的未来工作哲学：让工匠精神回归 读后感(3)篇
摩托车修理店的未来工作哲学：让工匠精神回归 读后感 第(1)篇
摩托车修理工的自我修养。
工匠精神有三种取向:创新、精进、坚持。用那种含义完全取决于目的。比如《工匠精神》主要取创新的含义，把工匠精神定义为某种能让认知盈余转化为产品和价值的东西;“大国工匠”取精进之意，潜台词是作为一个高级技术工人，你的劳动和创造对国家是有价值的，国家需要你这样的人才(高级螺丝钉);一般的企业和老板更喜欢取“愚直的坚持”这样的含义，工匠精神更多的带有“忠诚”的味道:对你的工作忠诚和尽责，就是对老板负责。多好的员工。
但是，工匠精神对于个人来说有什么用呢？没什么用。三种取向都只是在给“他人”创造价值。所以有人一面说着“要大力弘扬工匠精神”，一面批判着现实的功利主义，可是当问题变成“你会在自己身上实践工匠精神吗？”答案就分两路:口头上说着“当然”，心里想着“去你妈的工匠精神，我又不傻，凭什么给人多干活”(•ิ_•ิ)?
这本书以一种曲折的形式表达了把工匠精神用到自己身上是一种怎样的效果。读的过程中我一直期待着两个词:心流和具身认知。作者始终在围绕这两个词表达，却一直没有把它们说出来。投入一件事会获得快乐，这是心流体验，而且这种体验能超越经济利益(换句话说你能让人获得这种体验，人们也会多花钱)。做事的过程还能让人收获知识，这是具身认知。往上追溯，二者都可以回到哲学上知识的经验主义，当然，也可以换成阳明哥的思路:格物致知。格物不仅能致知，还能致心，达到庖丁宰牛那样心物合一的境界。也可以由进化的思路追溯:人的思维本来就是在使用工具的过程中产生的。联系实际，要发展小孩子的认知能力，最好的方法是让ta动手，手舞足蹈地学习什么的，最有爱了。对于大人来说，如果在工作里感受不到快乐，那么就得从业余活动中补充这种快乐，作者也说了，这种活动最好是动手的，工艺美术神马的。另外根据心物合一的观点，对物质的追求其实也是对精神的追求，代表了一个人的品味和格调。
回到摩托车维修工的自我修养。作为一个拥有哲学博士头衔的摩托车维修工，作者既拥有自下而上的摩托车维修的经验知识，也有遥远的自上而下的理论知识，只是这两种知识并没有完全联结起来，谈一个的时候就完全扔掉了另一个。所以作者虽然有两种层次的知识，但是读的时候这种知识的断层感还是让人感觉有点遗憾和难受。不过作为一本有多学科思路的书，这书总不至于太差，跟摩托车有关的部分更是有股机器、汽油、固执和专注的混合味道。
一个好的理论总是能够推广，工匠精神其实是刻意练习理论在工作上的应用，在实践过程中能获得心流体验。把这种精神用到感情生活中，就成了爱情地图。
读这书的额外收获是发现人有时候也会和书一样有趣，读书和读人都是获得“别处的生活”的方法，这大概也算是意外之喜。
摩托车修理店的未来工作哲学：让工匠精神回归 读后感 第(2)篇选择读这本书，是因为它离我的生活相去甚远。读完这本书，仍然觉得它离我的生活相去甚远。毕竟，我既不熟悉摩托车，也没有改装过大众。不过，从作者的言语里，能够感觉到他作为一个发烧友，对汽车、摩托车深怀的那种热爱和执着。作者提到，当他面对一部待修的摩托车左右不得其法的时候，他研究物理学的父亲却不能给他任何实用的建议。因此，作者对那些纯理论的东西多少有些藐视。不过我觉得，纯理论的研究是必不可少的，它们往往为科技进步带来难以估量的贡献，这是修理工或其他手工艺者难于做到的。作者提出，人是能够从劳动中得到快乐的，尤其是当这种劳动具有完整性的时候（即做一件事情从头到尾）；不幸的是，工业革命之后，流水线的生产模式破坏了劳动的整体性，每个人都只参与了一部分，所以满足感大为降低，工作成了挣钱吃饭的途径。我无法（也无意）逆转时代前进的方向，于是只能着眼于自身。受作者启发，把平时最不爱看的说明书拿出来仔细翻看，力争把各样家电的功能发挥到极致。平时多动手，进行各种修补。前些天买了一块台布，长方形的，需裁成正方形才合用。想到满街去找裁缝怪麻烦的，就一直凑合着用。读了本书之后，突发动手之心，于是开始量、裁、熨汤、穿针、引线、牵边，同时琢磨怎样走针脚，才能做到不仅正面好看，而且能保持洗涤烘干后线不抽，万一某处开线不会导致全散等问题。这的确是人与纤维织物的一次近距离接触，如何理解它的“性”，并试图驯服它。这一过程中，我的确体会到了作者所说的修理工必须具备的humble的品质，因为不管你主观上怎么自以为是，物是不会改其性而取悦人的，所以人只能遵从客观，仔细观察，找出方法。对于我们这些十指整天敲键盘的人来说，找机会动手做一些事情确实妙不可言。这可能就是作者所说的整体性的劳动带给人的快乐吧。
摩托车修理店的未来工作哲学：让工匠精神回归 读后感 第(3)篇如果让我来描述一下，那么，这本书的章节构成，就像是一部被拆解了的摩托车，零部件散落在地上，我们需要自行对其进行组装，最后才得以看其全貌。作者基于自己的工作经历和工作感受，以哲学的方式，进行思考，得出了观点：人不能迷失在工作中，不知探寻其对自我及社会他人（书中说的是社区）的价值。同时，观察到现实是，越来越多的人，只动脑不动手，而动脑的部分，并不是求索，而是学习既有经验或模式。这样的工作形式，无法创造真正的价值。这种情况的产生，作者认为，是现代教育的内容结构，以及，现代企业的组织管理方式、生产管理方式；对个体的独立性、多样化、探索精神、求知欲望、责任感，造成了严重的伤害。如何解决呢？n作者呼吁，由外而内，重拾对“工具”的关注与使用，从而回归正确的人类进化本源之路，并使人性在工作中得以鲜活，而不是泯灭。减2n1、以自我经历概括社会现象和趋势，不可以道理计。2、译者乱入，结构零散，干扰严重。
《剑与禅》读后感
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《剑与禅》读后感
一人，一剑，立于皓月之下，花丛之间。
感受着风的触感，呼吸着大地的气息，世上纷杂皆可不闻不问;
按剑在鞘，微醺双眼，下一个须臾，寒光闪过，石破天惊。
十步杀一人，千里莫留行。
然而，无论有多麽诗意，无可否认的是：“剑，即凶器;剑术，即杀人术。”
作为一个剑客，要有一个理智的大脑和一颗冷酷的心。
一个好的剑客必须知道为何而拔剑，是为天下的大义，国家的兴衰还是求生的欲望，有了拔剑的理由，他的剑就不会迟钝。不知为何而拔剑的人，终究会成为别人或自己剑下的牺牲品。
一个好的剑客必须懂得冷酷。不是杀人，就是被人所杀，在战场上不应有怜悯，因为生死胜负在一刹那间就已注定。既然选择这条道路，就早已放弃作为一个人的心。他的伙伴，只有也只能是手中的剑，除此之外，谁都不可信。
然后，是剑术。可以华丽，也可以平淡，可以自己摸索，也可以求师高人，但一定要确定你的剑术一定能杀掉你的对手，否则，你可以去死了。
当你达成上面的一切，你可以动身去寻找一把好剑，绝世好剑。它要可以斩石截铁，吹发即断，血不粘刃......最重要的，能让你最好的发挥杀人的技巧。
有了这些，是不是可以成为绝世高手了呢?
错，你只是刚刚完成了一半。
你只是拿起了剑，下一步，还要放下它。
首先是宝剑，你已经不需要它了，当你斩杀千人，历经百战时，你早已看透别人的招式，草木沙石皆可为剑，招招致命。
然后，是你的剑技，所谓无招胜有招。无需华丽，不求繁杂。杀掉一个人，只需一剑。干净利落，在剑还未出鞘时就已经决定了对方的灭亡。
接着，融化你那颗冰封已久的心，你可以选择不杀，或闭上眼睛，试试会不会被人所杀。一个人站得越高，就越神秘，即使你露出破绽，别人也已不敢轻易进攻。这时，你甚至可以试着去说服他放下手中的剑，和你一样，学会宽容和原谅。
最后，放下你的理想和信念。因为为了你的理想，已经不知多少的生命过早地结束。一将功成万骨枯，当你明白过来，就会发现所谓的理想和信念都是一钱不值的东西，多少人为了他们的理想奋斗一生，却又有多少人在他们死之前成功了?人的欲望是无限的，最求更好更高的地位也是无止境的。然而，等他们碌碌一生之后，才发现最初追求的只是丰衣足食，平安无事。不过现在放下还不迟，泡一杯绿茶，提一壶清酒。从此春观夜樱，夏望繁星，秋赏满月，冬会初雪，不再涉足尘世。然而，又有多少人能放下荣誉，地位甚至理想，悄然隐去?
也许，他们会在死时喃喃说道：“这一生无憾了。”然而，有多少是实话呢?又有多少人会说着“假如......”呢?所谓的无憾不过是掩饰，掩饰着他们的痛苦。
大道三千，归而为一。无论何为自己前进的道路，如书法，如音乐，都将回归最后的禅。
剑与禅，杀戮与宽容，奋斗与放手。人生苦短，我们都明白这些。然而少年轻狂，我们仍然选择去追求自己的理想，紧握着手中的剑。是的，我们还有时间，我们有年轻的资本。那么，问问自己，何时选择放手......
《剑与禅》读后感400字
一人，一剑，立于皓月之下，花丛之间。
感受着风的触感，呼吸着大地的气息，世上纷杂皆可不闻不问；
按剑在鞘，微醺双眼，下一个须臾，寒光闪过，石破天惊。
十步杀一人，千里莫留行。
然而，无论有多麽诗意，无可否认的是：剑，即凶器；剑术，即杀人术。
作为一个剑客，要有一个理智的大脑和一颗冷酷的心。
一个好的剑客必须知道为何而拔剑，是为天下的大义，国家的兴衰还是求生的欲望，有了拔剑的理由，他的剑就不会迟钝。不知为何而拔剑的人，终究会成为别人或自己剑下的牺牲品。
一个好的剑客必须懂得冷酷。不是杀人，就是被人所杀，在战场上不应有怜悯，因为生死胜负在一刹那间就已注定。既然选择这条道路，就早已放弃作为一个人的心。他的伙伴，只有也只能是手中的剑，除此之外，谁都不可信。
然后，是剑术。可以华丽，也可以平淡，可以自己摸索，也可以求师高人，但一定要确定你的剑术一定能杀掉你的对手，否则，你可以去死了。
当你达成上面的一切，你可以动身去寻找一把好剑，绝世好剑。它要可以斩石截铁，吹发即断，血不粘刃......最重要的，能让你最好的发挥杀人的技巧。
有了这些，是不是可以成为绝世高手了呢？
错，你只是刚刚完成了一半。
你只是拿起了剑，下一步，还要放下它。
首先是宝剑，你已经不需要它了，当你斩杀千人，历经百战时，你早已看透别人的招式，草木沙石皆可为剑，招招致命。
然后，是你的剑技，所谓无招胜有招。无需华丽，不求繁杂。杀掉一个人，只需一剑。干净利落，在剑还未出鞘时就已经决定了对方的灭亡。
接着，融化你那颗冰封已久的心，你可以选择不杀，或闭上眼睛，试试会不会被人所杀。一个人站得越高，就越神秘，即使你露出破绽，别人也已不敢轻易进攻。这时，你甚至可以试着去说服他放下手中的剑，和你一样，学会宽容和原谅。
最后，放下你的理想和信念。因为为了你的理想，已经不知多少的生命过早地结束。一将功成万骨枯，当你明白过来，就会发现所谓的理想和信念都是一钱不值的东西，多少人为了他们的理想奋斗一生，却又有多少人在他们死之前成功了？人的欲望是无限的，最求更好更高的地位也是无止境的。然而，等他们碌碌一生之后，才发现最初追求的只是丰衣足食，平安无事。不过现在放下还不迟，泡一杯绿茶，提一壶清酒。从此春观夜樱，夏望繁星，秋赏满月，冬会初雪，不再涉足尘世。然而，又有多少人能放下荣誉，地位甚至理想，悄然隐去？
也许，他们会在死时喃喃说道：这一生无憾了。然而，有多少是实话呢？又有多少人会说着假如......呢？所谓的无憾不过是掩饰，掩饰着他们的痛苦。
大道三千，归而为一。无论何为自己前进的道路，如书法，如音乐，都将回归最后的禅。
剑与禅，杀戮与宽容，奋斗与放手。人生苦短，我们都明白这些。然而少年轻狂，我们仍然选择去追求自己的理想，紧握着手中的剑。是的，我们还有时间，我们有年轻的资本。那么，问问自己，何时选择放手......
《艺术与视知觉》读后感
一本书需要慢慢读，反复读，我喜欢设计喜欢视觉传达这个方向，在以后的学习中也会坚持的。下面是小编收集整理的《艺术与视知觉》读后感，希望对您有所帮助!
艺术与视知觉读后感(一)
最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者 鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明;有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析;有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这座建筑的平衡之处呢?它不单单是作为以中轴对称的形式体现平衡的，在这座建筑中，中间的那个圆形窗口所处的位置正是在这所建筑本身垂直于水平的结合点，把两边的建筑集中在一起，这样在视觉上就给人一种平衡感。就拿一件大师画的画来说，他在创作的时候，不管是写实的还是抽象的风格，在画面的表达上肯定都存在一种视觉上的平衡。这种平衡可以从画面的重力来下手，也可以将其画面的色彩进行调整等等 .所有这些形式都为了使其画面有个视知觉上的平衡感，通过作者在作品中融入的情感，从而让读者更能够接受它，体会从中的乐趣。
其次要谈的是空间，我个人理解视觉上的空间表现其实就是对事物的本身存在的一种特质的抽象表现形式，物体的体积和面是作用于框架的基础之上的。记得当时我们在上平面构成和是立面构成的时候，围绕一个话题去表现空间的时候，都是基于一种“图形”跟“基底”的关系。平面构成所表现出来的空间只是一种二维的空间感，是要通过人们视觉上的感知去抽象的表达出来。而立体构成是以一种三维的表现形式出现的，立体效果是通过消除变形图形的张力而产生的，它的这种形式能够让人看得见、摸到找，实实在在呈现在人们眼前的。书中讲到：“要判断一个式样究竟被看成是二度的还是三度的，主要取决于哪种看法能够产生出较简单的式样。”我觉得它说的很有道理。当我们在分析一座雕塑像与这座雕塑像周围的空间之间的关系时，就可以被我们看成是“图与底”的关系。如果我们真正愿意把它周围的空间看成是具有一定体积的物体，而不是把它看成事无形的空气的时候，那么雕塑像本身就具有了“图形”所具有的一切性质，因为它不仅是一件封闭的小型的立体物，而且具有一定的质感、密度和硬度。
从建筑本身来说，很多建筑都在不同程度上在表达着空间视觉性。单从建筑外部是不能体现空间的具体存在，更要深入到建筑本身的内部，亲身体会那种给人带来凌驾于建筑空间之外的感觉。好的建筑师会运用各种手法，例如通过建筑框架、光线、装饰等等手法去营造建筑体的空间感，给人一种高大、宏伟、至高无上的感觉。很多建筑体现了空间带给人们那种强悍的视觉冲击力：西方建筑古希腊帕提农神庙、罗马的万神庙、罗马的大角斗场、中国的故宫等等，这些建筑从各个角度去体现了建筑空间带给人们视觉上的美。当然我这里只是举例说明较大的空间给人们营造的视觉冲击力，然而小空间也同样能够给你带来另一种美的感受。在这里我就不做表述了。
第三点要谈的是色彩。书中作者谈到：“歌德把色彩划分为积极的(主动的)色彩：黄、橙、黄红、朱红和消极的(被动的)色彩：蓝、红蓝、蓝红。主的的色彩能够产生出一种积极的，有生命力的和努力进取的态度;而被动的色彩则适合表现一种不安的，温柔的和向往的情绪。”我想这个观点是很多设计师在运用色彩做设计的时候要考虑的必然因素。运用什么样的色彩当然要具体事情具体分析了，前提是要达到色彩的和谐。运用各种颜色或者是混合色使得色彩的色调能够看上去自然而又和谐才是我们运用色彩的主要意图。如果说色彩的色调搭配的不好，看上去不和谐，就会影响了最终的视觉效果。
现在出现了很多要求色彩标准化的趋势，我想这种趋势并不是艺术真正的表现形式，好的艺术作品在运用色彩的时候并不趋于这种色彩标准化。这种色彩标准化不是来自艺术的实践，而是某些染料制造商或者大量生产带色产品的工业部门的产物。它们代表不了真正艺术作品所要追求的艺术色彩。
以上就是我结合书中的三大点谈的自己的一些看法，总体来说，我在这本书中学到了很多东西。它让我更加清楚自己在以后的学习过程中，一定要好好的用心去学，这里的用心就是一种认真的态度、看事情的全面性和带着问题去思考。这本书中也有一些自己不明白或者是不认同的地方，所以自己就把这部分给滤过了。我觉得任何东西只要是自己所需要的，就应该把它接受、采纳和运用，如果对自己没有用的就可以把它删除。没有全盘的接受也没有全盘的否定。问题总是存在着矛盾性，不管自己是持有矛也好，握有盾也罢，只要不拿自己的矛去刺自己的盾就是很好的解决途径。
艺术与视知觉读后感(二)
本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。 书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
鲁道夫·阿恩海姆(Rudolf Arnheim,1904-2007)，原籍德国，1946年定居美国。曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获“全美艺术教育协会突出贡献奖”.主要著作有《艺术与视知觉》、《视觉思维—审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。 阿恩海姆是20世纪最伟大的艺术心理学家和美学家之一，他对艺术心理学、美学、美育、建筑及煤介等都做出了富有创见的贡献，是欧洲学术传统的继承者，其研究成果涉及20世纪思想领域的诸多方面。阿恩海姆很注重格式塔心理学的研究成果。从构图、笔墨、色彩三个方面体现了艺术品中的形式美。
俗语中往往蕴含着真理，生活中人们看到一个美的事物时，常用“带劲”一词来形容，这里的“劲”我想就是阿恩海姆在其著作中不厌其烦阐述的“张力”吧。按阿氏给的概念：“张力”不同于我们在生活中感知的物理性运动。，它是一种不动之动。“任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象”.
雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，“它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动”来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，“由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加”.(达。芬奇)
比如汉代的绘画与雕刻无不呈现一种飞舞灵动之势，图案常用云彩、雷纹和翻腾之龙构成，动物也常常是除遒劲雄壮之外，还要加上一双能飞的翅膀，.唐代吴道子的壁画也有 “天衣飞扬，满壁风动”之美誉。在相对“静止”建筑领域，飞檐也似乎要参与到这种飞舞灵动的合奏中——.
双林寺的韦驮像。在全国同类题材作品中，这尊塑像可谓之精品。从构图上看，其身体重心基于左足，下肢朝前站立，从腰部开始，由头部带动整个上体躯干向右侧扭曲，这种扭曲程度，已极大地超出了人体生理所允许的限度，很像一节麻花，但人们从整体气势观看，这种违反人体解剖结构的姿态，不仅没有一点不舒服的感觉，相反却从这种艺术夸张变形之中，感到一种强大的力度和动势，这是由一条从头到脚贯穿于韦驮全身的S形曲线所表现出来的，这条曲线极富弹力和流动感，构成了韦驮身上的飘带萦绕飞舞，本身就是大的曲线，从视觉上也加强了动势。韦驮右臂握拳下垂，肘部向外部伸出，让人感觉肌肉紧张，充满力量。左臂抬起，同右臂形成对比。韦驮整个身躯外轮廓构成一个略带倾斜的三角形，这个三角形由左手、右手肘部和足部三个突出点形成。由于这个锐角三角形的顶点在下部并呈倾斜状态，给人心理上造成了一种微妙的不平衡和不稳定感，因而也增加了这尊塑像的活力和行动感觉。
从马里尼的《人与马》可以看出作者对于“不动之动”的苦苦追寻，作品在高宽深三个纬度上全面外拓，马头向前，人仰向后，人的双臂伸向左右，马腿向下……人们欣赏它时，会感到雕塑内部的“张力”正试图冲破表皮，向空间无限放射似的，这种空间最大化的追求是雕塑不可或缺的形式特质。我国台湾雕塑家朱铭的《太极系列》也是如此，大多运用凌厉，的斜向形体，佐以粗砺的切割肌理，营造出强烈的空间张力(场)美感。
综上所述，雕塑造型中运用倾斜、变形、膨胀、不对称以及节奏与韵律上的变化，就可以产生出“张力”,从而也就产生出静中有动的艺术效果。
这本书利用了心理学来告诉人们为什么会对艺术有美的感受并进行了深度剖析和解读，其间大量的分析和例证为我们这些入门级的学习者们理解艺术的原理提供了良好的土壤。从这本书里我看到了那些纷繁复杂的艺术作品里最本质的共性，也明白仅仅浮于表面创作是远不够的，深入去理解设计的原理才能在艺术这条大路上走得更远。
面对这两个学期的专业课的学习，深深感受到若是没有扎实的理论功底是不能够真正理会课程内容与老师要求的。没有一个设计师是在没有理论基础的同时能够达到登峰造极的成就的。而这本书《艺术与视知觉》基本上是所有老师都强烈推荐的所以一定值得一读。现在的阅历与知识都没有达到一定程度虽然读起这本书来还是有一定的困难的 但是不管怎样还是理解了一些。这是一本值得一生诵读的书籍 不同年龄段读起来都有不同的感受。
艺术与视知觉读后感
【篇一：读《艺术与视知觉》有感】
最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。最后自己觉得还是感受颇深。接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者鲁道夫阿思海姆就谈到：视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明；有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析；有的则通过一些实际案例来作对比。所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。也是我今后要好好去学习努力改造的地方。下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。但是有多少人去认真分析这座建筑的平衡之处呢？它不单单是作为以中轴对称的形式体现平衡的，在这座建筑中，中间的那个圆形窗口所处的位置正是在这所建筑本身垂直于水平的结合点，把两边的建筑集中在一起，这样在视觉上就给人一种平衡感。就拿一件大师画的画来说，他在创作的时候，不管是写实的还是抽象的风格，在画面的表达上肯定都存在一种视觉上的平衡。这种平衡可以从画面的重力来下手，也可以将其画面的色彩进行调整等等。所有这些形式都为了使其画面有个视知觉上的平衡感，通过作者在作品中融入的情感，从而让读者更能够接受它，体会从中的乐趣。
其次要谈的是空间，我个人理解视觉上的空间表现其实就是对事物的本身存在的一种特质的抽象表现形式，物体的体积和面是作用于框架的基础之上的。记得当时我们在上平面构成和是立面构成的时候，围绕一个话题去表现空间的时候，都是基于一种图形跟基底的关系。平面构成所表现出来的空间只是一种二维的空间感，是要通过人们视觉上的感知去抽象的表达出来。而立体构成是以一种三维的表现形式出现的，立体效果是通过消除变形图形的张力而产生的，它的这种形式能够让人看得见、摸到找，实实在在呈现在人们眼前的。书中讲到：要判断一个式样究竟被看成是二度的还是三度的，主要取决于哪种看法能够产生出较简单的式样。我觉得它说的很有道理。当我们在分析一座雕塑像与这座雕塑像周围的空间之间的关系时，就可以被我们看成是图与底的关系。如果我们真正愿意把它周围的空间看成是具有一定体积的物体，而不是把它看成事无形的空气的时候，那么雕塑像本身就具有了图形所具有的一切性质，因为它不仅是一件封闭的小型的立体物，而且具有一定的质感、密度和硬度。
从建筑本身来说，很多建筑都在不同程度上在表达着空间视觉性。单从建筑外部是不能体现空间的具体存在，更要深入到建筑本身的内部，亲身体会那种给人带来凌驾于建筑空间之外的感觉。好的建筑师会运用各种手法，例如通过建筑框架、光线、装饰等等手法去营造建筑体的空间感，给人一种高大、宏伟、至高无上的感觉。很多建筑体现了空间带给人们那种强悍的视觉冲击力：西方建筑古希腊帕提农神庙、罗马的万神庙、罗马的大角斗场、中国的故宫等等，这些建筑从各个角度去体现了建筑空间带给人们视觉上的美。当然我这里只是举例说明较大的空间给人们营造的视觉冲击力，然而小空间也同样能够给你带来另一种美的感受。在这里我就不做表述了。
第三点要谈的是色彩。书中作者谈到：歌德把色彩划分为积极的（主动的）色彩：黄、橙、黄红、朱红和消极的（被动的）色彩：蓝、红蓝、蓝红。主的的色彩能够产生出一种积极的，有生命力的和努力进取的态度；而被动的色彩则适合表现一种不安的，温柔的和向往的情绪。我想这个观点是很多设计师在运用色彩做设计的时候要考虑的必然因素。运用什么样的色彩当然要具体事情具体分析了，前提是要达到色彩的和谐。运用各种颜色或者是混合色使得色彩的色调能够看上去自然而又和谐才是我们运用色彩的主要意图。如果说色彩的色调搭配的不好，看上去不和谐，就会影响了最终的视觉效果。
现在出现了很多要求色彩标准化的趋势，我想这种趋势并不是艺术真正的表现形式，好的艺术作品在运用色彩的时候并不趋于这种色彩标准化。这种色彩标准化不是来自艺术的实践，而是某些染料制造商或者大量生产带色产品的工业部门的产物。它们代表不了真正艺术作品所要追求的艺术色彩。
以上就是我结合书中的三大点谈的自己的一些看法，总体来说，我在这本书中学到了很多东西。它让我更加清楚自己在以后的学习过程中，一定要好好的用心去学，这里的用心就是一种认真的态度、看事情的全面性和带着问题去思考。这本书中也有一些自己不明白或者是不认同的地方，所以自己就把这部分给滤过了。我觉得任何东西只要是自己所需要的，就应该把它接受、采纳和运用，如果对自己没有用的就可以把它删除。没有全盘的接受也没有全盘的否定。问题总是存在着矛盾性，不管自己是持有矛也好，握有盾也罢，只要不拿自己的矛去刺自己的盾就是很好的解决途径。
【篇二：艺术与视知觉读后感】
经过专业老师的多次推荐，最终读完了阿恩海姆的《艺术与视知觉》这本书。感触和领悟非常大，它采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。
这本书里，作者力图将那些潜在的规则一最简洁的语言形式描述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
本书一共分为十章，有平衡，形状，形式，发展，空间，光线，色彩，运动，张力和表象。每一章每一节所阐述的一些设计的基本原则和这些元素所呈现的状态，对自己所做的一些设计都有很大启发。之前做设计都是完全凭感觉性的东西，缺乏理论的支撑，导致脑袋里既有一些浅薄的理论，又有中度的感性，思维很不清晰，也不知道什么样的才是艺术，什么样的才是好的设计。但是读了这本书之后，感觉真的理性好多。看一些设计作品，能够稍微联想到这本书中所阐述的道理，从而在脑海中形成很深刻的印象，指导自己辨别好的艺术和不好的艺术。
作者阐述的艺术的原理，以及这些原理所呈现的视觉和知觉上的异同，都是我们学设计所应该必须掌握的。其中第一章有关于平衡的一些列知识。阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。他认为，审美知觉并不像元素主认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。在这本书里，学到了平衡，重力和方向等等在艺术设计中的作用。怎样的构图，怎样的形状和色彩，才能符合人们的视知觉，才能在正常的视知觉中相识错误的信息等等，都给我们了一个很清晰有逻辑的阐释，以至于在日后从事的设计工作中少走弯路，提升设计价值都有很大影响。
除了这些，最大的感悟就是，应该多读一些理论之类的书籍，理论指导实践，实践又丰富并发展着理论，二者相辅相成，才能创作出好作品。
还有就是，在读书时读好书，否则既浪费时间又学不到东西，没有效率还会产生排斥心理。而一本好书则会引起心灵的震撼和共鸣，从而提升自我。
【篇三：《艺术与视知觉》读后感作文】
作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。
以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。作者鲁道夫如是说。
除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。
虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。尤其对于从事艺术类工作的我们来说，这本书对于视觉设计等方面非常有借鉴意义，比一些只分析现象而不给出解决方式的纯理论书实用得多，这些理论与规律也会使我们终身受益。
【篇四：《艺术与视知觉》读后感】
本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
鲁道夫阿恩海姆（RudolfArnheim，1904-2007），原籍德国，1946年定居美国。曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获全美艺术教育协会突出贡献奖。主要著作有《艺术与视知觉》、《视觉思维审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。阿恩海姆是20世纪最伟大的艺术心理学家和美学家之一，他对艺术心理学、美学、美育、建筑及煤介等都做出了富有创见的贡献，是欧洲学术传统的继承者，其研究成果涉及20世纪思想领域的诸多方面。阿恩海姆很注重格式塔心理学的研究成果。从构图、笔墨、色彩三个方面体现了艺术品中的形式美。
俗语中往往蕴含着真理，生活中人们看到一个美的事物时，常用带劲一词来形容，这里的劲我想就是阿恩海姆在其著作中不厌其烦阐述的张力吧。按阿氏给的概念：张力不同于我们在生活中感知的物理性运动。，它是一种不动之动。任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象。
雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加。（达。芬奇）
比如汉代的绘画与雕刻无不呈现一种飞舞灵动之势，图案常用云彩、雷纹和翻腾之龙构成，动物也常常是除遒劲雄壮之外，还要加上一双能飞的翅膀。唐代吴道子的壁画也有天衣飞扬，满壁风动之美誉。在相对静止建筑领域，飞檐也似乎要参与到这种飞舞灵动的合奏中。
双林寺的韦驮像。在全国同类题材作品中，这尊塑像可谓之精品。从构图上看，其身体重心基于左足，下肢朝前站立，从腰部开始，由头部带动整个上体躯干向右侧扭曲，这种扭曲程度，已极大地超出了人体生理所允许的限度，很像一节麻花，但人们从整体气势观看，这种违反人体解剖结构的姿态，不仅没有一点不舒服的感觉，相反却从这种艺术夸张变形之中，感到一种强大的力度和动势，这是由一条从头到脚贯穿于韦驮全身的S形曲线所表现出来的，这条曲线极富弹力和流动感，构成了韦驮身上的飘带萦绕飞舞，本身就是大的曲线，从视觉上也加强了动势。韦驮右臂握拳下垂，肘部向外部伸出，让人感觉肌肉紧张，充满力量。左臂抬起，同右臂形成对比。韦驮整个身躯外轮廓构成一个略带倾斜的三角形，这个三角形由左手、右手肘部和足部三个突出点形成。由于这个锐角三角形的顶点在下部并呈倾斜状态，给人心理上造成了一种微妙的不平衡和不稳定感，因而也增加了这尊塑像的活力和行动感觉。
从马里尼的《人与马》可以看出作者对于不动之动的苦苦追寻，作品在高宽深三个纬度上全面外拓，马头向前，人仰向后，人的双臂伸向左右，马腿向下人们欣赏它时，会感到雕塑内部的张力正试图冲破表皮，向空间无限放射似的，这种空间最大化的追求是雕塑不可或缺的形式特质。我国台湾雕塑家朱铭的《太极系列》也是如此，大多运用凌厉，的斜向形体，佐以粗砺的切割肌理，营造出强烈的空间张力（场）美感。
综上所述，雕塑造型中运用倾斜、变形、膨胀、不对称以及节奏与韵律上的变化，就可以产生出张力，从而也就产生出静中有动的艺术效果。
这本书利用了心理学来告诉人们为什么会对艺术有美的感受并进行了深度剖析和解读，其间大量的分析和例证为我们这些入门级的学习者们理解艺术的原理提供了良好的土壤。从这本书里我看到了那些纷繁复杂的艺术作品里最本质的共性，也明白仅仅浮于表面创作是远不够的，深入去理解设计的原理才能在艺术这条大路上走得更远。
面对这两个学期的专业课的学习，深深感受到若是没有扎实的理论功底是不能够真正理会课程内容与老师要求的。没有一个设计师是在没有理论基础的同时能够达到登峰造极的成就的。而这本书《艺术与视知觉》基本上是所有老师都强烈推荐的所以一定值得一读。现在的阅历与知识都没有达到一定程度虽然读起这本书来还是有一定的困难的但是不管怎样还是理解了一些。这是一本值得一生诵读的书籍不同年龄段读起来都有不同的感受。
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